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Los mejores finales de series de televisión de la historia

La series de TV, esos pequeños universos llenos de personajes fascinantes y mundos que nos envuelven. Significan también pequeñas representaciones de nuestros códigos, nuestra vida, la esencia de situaciones, personajes y emociones con las que nos identificamos, tanto que las seguidos cada semana, hasta que llega el momento de su inevitable desenlace.

Aquí en Monkeyzen hemos reflexionado esos cierres y hemos armado nuestra lista con los mejores finales de series de televisión de la historia. Una lista muy ambiciosa donde no hemos podido incluir a todos pero hablamos de las más relevantes y significativas, particularmente en los últimos veinte años, que es cuando la TV logró crecer para acercarse a una experiencia tan o más intensa que el cine.

Helas aquí, sin un orden en especial, y con algunos spoilers, es decisión del lector seguir adelante con cada una si no ha visto el final. Sus aportaciones son bienvenidas en la sección de comentarios:

Menciones especiales para:

  • MASH
  • 30 Rock
  • Quantum Leap
  • Cheers
  • Frasier
  • The Fugitive
  • Sex and the City

Friends

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Diez temporadas, una década completa creciendo con estos personajes, pasando de la moda atroz de mediados de los noventa hasta el pleno siglo XXI, viendo a estos entrañables personajes evolucionando en una suerte de limbo extraño, donde las relaciones interraciales nunca existían, donde el uso de teléfonos móviles, internet y otras tecnologías parecían estar a diez años de ser descubiertas.

Friends tenía un encanto derivado de su ingenuidad.

Acompañado de esa ilusión que compramos totalmente, sobre un grupo de amigos viviendo en la ciudad más cosmopolita del mundo, con empleos con los que jamás podrían pagar los lugares donde viven. El final ocupa un lugar en esta lista por lo que representó, como final de una era y el cierre de un ciclo, en un desenlace que fue tan complaciente como la serie en todo momento, pero a su salida dejó un gran hueco, con la necesidad incurable de tener ese show que funcionara como burbuja y nos permitiera alienarnos con risas de situaciones atoradas en un bucle eterno, hasta llego How I Met Your Mother

The Shield

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Vic Mackey es uno de esos antihéroes que queríamos que terminaran bien, aunque sabíamos que con esa espiral no podía suceder algo bueno. Durante muchas temporadas lo vimos salirse con la suya, produciendo una sensación en el espectador de molestia y complicidad, en el penúltimo episodio vimos cómo el personaje se doblegaba y confesaba todo en un intento por ganar tiempo e inmunidad.

Vic Mackey es un horrible ser humano, tan fielmente retratado que en el último episodio cuando pierde todo lo que le significa, pura cosa mala, pero suya a fin y al cabo, uno no puede sentir lástima e incertidumbre por el desenlace real de todo en un vida.

Futurama

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The Devil’s Hands Are Idle Playthings es el último episodio de la cuarta temporada de Futurama y fue transmitido el 10 de agosto de 2003. Actualmente la serie va por su séptima temporada, sin embargo este fue el final original de la serie cuando la Fox decidió cancelarla hace diez años. En este episodio Fry decide vender su alma al diablo robot a cambio de que le conceda sus manos para poder tocar bien el holofono y conquistar a Leela. Con referencias a otros episodios de la serie y muchos guiños a Fausto, como cierre de las aventuras de Fry funciona de manera muy emotiva, sobre todo por la última secuencia.

Twin Peaks

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David Lynch grabó el final de la segunda temporada a sabiendas de que no habría una tercera y su historia quedaría inconclusa, por momentos pareciera que ese fue su plan desde el principio.

El último episodio de Twin Peaks es un trepidante Mind F*ck que más allá de resolver todas las dudas sobre el asesinato de Laura Palmer plantó muchísimas más. La urgencia por obtener respuestas fue tal que Lynch terminó filmando la cinta Twin Peaks: Fire Walk With Me, sin embargo la historia se sitúa cronológicamente antes de los sucesos de la primera temporada y sólo ayudo a incrementar el mito en torno a lo que vimos en los últimos dos minutos.

The Wire

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Se trata de una de las mejores series de los últimos tiempos, con un final que resulta un poco desconcertante y agridulce, y ambos factores lo vuelven uno de los mejores jamás vistos. Fiel al espíritu de las demás temporadas temporadas The Wire nos regaló un final donde la delgada línea que separa a los buenos de los malos, a la justicia del crimen, es tan delgada que todo parece una misma cosa. Un equilibrio casi imposible de lograr y que consiguieron como los grandes.

Lost

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El final de Lost desató la ira de muchos seguidores, y también las lágrimas de emoción de otros. De pronto el séquito de Lost con su desenlace se vio dividido entre dos grupos, aquellos que amaron el epílogo emotivo y entrañable con el que cerraron la historia y destino de los personajes, y ese otro sector que odió seguir durante 6 años los misterios de esta isla para encontrarse que muchos de ellos jamás tuvieron respuesta.

Desde esa perspectiva hay motivos para sentirse defraudados, sin embargo el simbolismo de esa secuencia final es tan significativa y tan bien montada que es imposible no reconocerla.

Chuck

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Se trata de una de las series más subestimadas e interesantes que han surgido en los últimos años. La auténtica serie para Nerds, más que The Big Bang Theory. Chuck siempre vivió bajo la amenaza perpetua de la cancelación, desde la primera temporada, pero aún así logró llegar a cinco. Gracias al respaldo de su fiel base de seguidores que realizaban campañas incansablemente cada año para rescatar por algunos capítulos a su héroe favorito.

Esto obligó al grupo de escritores a ir cambiando el destino y desenlace de nuestro personaje. El episodio 13 de la cuarta temporada, Chuck Versus the Push Mix, es el final real y originalmente concebido para la serie, donde lograron un desenlace épico para todo lo que vimos a lo largo de cuatro años. Sin embargo los seguidores entraron en acción y convencieron a la NBC de alargar la cuarta temporada y producir una quinta. Lo que llevó al desenlace que vimos en pantalla.

La última temporada de Chuck fue una fiesta de despedida, con apariciones de los personajes más memorables de la trama, invitados especiales de la cultura geek, como Stan Lee, y un último acto en el que encontramos referencias al primer episodio y momentos emotivos que desembocaron en un final abierto, donde la resolución del conflicto principal queda en la mente del espectador.

The Sopranos

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Odiado por muchos, amado por otros tantos, el final de The Sopranos es uno de los momentos más emocionantes y desconcertantes que se hayan visto en años. Durante años seguiste a estos personajes en cada uno de sus enfermos matices, en una situación que apuntaba a una suerte de milagro o un colapso absoluto, y justo en el momento climático de la respuesta, con la tensión a tope, todo termina de golpe, sin una sola certeza de lo sucedido:

El final de The Sopranos provocó mucha controversia y confusión, hubo incluso quien juró que su señal de cable se estropeó en el momento último del desenlace, pero la realidad es que la edición de episodio así fue originalmente montada. El destino real de Tony Soprano hasta el momento nadie lo conoce, aunque haya ensayos completos sobre ello. Sin embargo esa es la mayor gracia de los últimos cinco minutos de The Sopranos: Esa forma de meternos como espectadores en la cabeza de Tony, esperando el instante que ponga punto final a nuestra vida en cada movimiento ajeno.

Six Feet Under

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Emitido el 21 de agosto de 2005. El final de Six Feet Under es considerado por muchos como el mejor de toda la historia de la televisión. Este sólo episodio estuvo nominado a cinco premios Emmy, Entertainment Weekly incluso llegó al grado de señalarlo en su recuento como uno de los momentos más memorables de la década pasada. A la par que TV Guide lo incluyó en su lista de los mejores desenlaces jamás vistos. La fuerza de ese episodio reside en el ritmo y conexión que el espectador ha llevado con cada uno de los personajes durante años, para llegar ahí, a ese final del camino, en una reflexión sobre la muerte.

Es como una suerte de fenómeno social, en cualquier reunión entre amigos o desconocidos donde surja una charla sobre series de televisión, al mencionar Six Feet Under siempre habrá al menos una persona que reaccione, se emocione al recordar el final y se ponga emotiva al hablar de la historia de la familia Fisher.

Es una mentira la concepción general, Six Feet Under no tiene temporadas. No, tal vez la dividieron en 5 etapas para organizar la producción, pero sus 63 episodios son una sola historia, entrañable, cercana e irrepetible, perfectamente hilada. El realismo fotográfico con el que Alan Ball retrata a sus personajes pocas veces ha sido tan humana en la pantalla chica.

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El nombre “Serie de televisión” le queda bastante corto, Six Feet va mucho más allá. La fuerza vital. La luz y la oscuridad en la vida. Aprender que todos estamos conectados. La reflexión de que nuestra seriedad sobre la muerte es realmente nuestro esfuerzo por rechazar su milagro.

Por si solo, y esto lo digo a título personal, el episodio final es el momento más hermoso e irrepetible que ha vivido la televisión. Es arte, tan cuidadoso en el detalle, tan humano, tan intenso. Jamás había visto algo así en mi vida. y creo que pasarán décadas antes de que pueda ocurrir algo tan milagroso.

Hay infinidad de formas de morir, tantas como las hay de vivir. Este milagro de serie logra capturarlo en su desenlace, como una fotografía, como un instante que va de paso, que se va de tus manos. Tal y como dicen las últimas palabras de esta historia:

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¿A ustedes qué los marco más? ¿La trama o el desenlace?

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Swallowable Parfum, una revolucionaria manera de consumir perfume: tragándolo

Adiós a la tilde, ¿es la tilde un sistema ortográfico obsoleto?

En Adiós a la tilde os planteamos un debate sobre un tema muy actual que suscita polémica y controversia. La cuestión es, ¿eliminarías la tilde en el mundo digital?, ¿consideras la acentuación en el mundo digital una herramienta útil o es por el contrario un incordio?, ¿cómo afecta el uso de la tilde en los títulos SEO, palabras clave y enlaces de las entradas de tu blog?, para ello contamos con tres puntos de vista distintos, de manos de los tres colaboradores habituales de Monkeyzen, tres visiones distintas sobre cómo mirar la ortografía, el lenguaje y la comunicación en las nuevas tecnologías, un debate rico y plural.

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¿Y si mejor enseñamos a Google a escribir?, por Belinda Lorenzana

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Aquí en México decimos coctel, sin tilde. Pronunciamos la palabra como aguda. Los españoles, en cambio, que dicen cóctel y la pronuncian como grave, le ponen acento, según las reglas de acentuación de nuestro idioma, que ni siquiera son tantas y que pueden memorizarse en menos tiempo del que se cree. Sabemos que, con tilde o sin ella, se habla de la misma cosa, claro. Pero esa rayita inclinada nos ayuda a pronunciar de cierta forma, y entonces no nos sentimos tan perdidos. ¿Cuál purismo? Es lógica elemental.

Porque, resulta, los acentos no son un capricho ni funcionan igual que los adornos navideños, ni fueron inventados por gente malvada para torturar a los chicos de la nueva era o a la gente que prefiere la muerte a la lectura. Las tildes determinan la pronunciación de las palabras. Y, aunque los buscadores en internet, pobrecillos, no se den cuenta, no es lo mismo mama que mamá, ni mendigo que méndigo. Por fortuna.

Ahora, que se trata de que Google y los otros buscadores nos encuentren y los acentos parecen sembrar discordia entre los manuales de estilo de publicaciones digitales, no puedo sino repetirme: mucho SEO, mucho SEO, pero sin acentos es imposible crear contenidos legibles, y sin ellos es imposible sostener blogs, cuentas de Twitter y demás realidades que, por lo menos a algunos, nos pagan las cuentas.

Supongamos que los tiempos ya cambiaron, que las tildes fueron abolidas. E imaginemos un titular como éste: “La perdida de la gobernante sacude al pueblo”. Como los acentos ya no se usan, no se puede saber si el título insinúa que la gobernante es ligera de cascos, presta pa’ la orquesta, y bailó cumbias con todo el pueblo, o si los ciudadanos se sienten conmovidos porque la gobernante en cuestión pasó a mejor vida.

Obvio, hay un contexto. Si la gobernante se murió, la nota tal vez quiera informar la manera en que la gente recibió la noticia. Pero habrá publicaciones bromistas que hayan elegido jugar con la primera opción. O que habrían podido elegir jugar con la primera opción. Porque, como las tildes ya no se usan, nos estamos perdiendo la oportunidad de utilizar el lenguaje en beneficio del sentido del humor. ¿Verdad que resultaría triste?

Y lo mismo con la ñ. No sé ustedes, pero yo quiero seguir cumpliendo años y no anos, aunque Google no se sepa el abecedario completo. Deshacernos de palabras con ñ sólo porque los buscadores no las identifican me suena a privarme de la palabra (y por lo tanto del razonamiento) sólo porque mi interlocutor no ha aprendido a hablar. ¿No sería más lógico y más adecuado que un buscador incorporara algunos caracteres? ¿No valdría la pena que quienes se encargan de esos mecanismos sean personas con una mediana conciencia lingüística? Porque, a final de cuentas, las lenguas son la materia prima de las comunicaciones, y limitarlas tanto podría equivaler a morder la mano que nos da de comer.

Como usuaria de internet, y no seré la única, suelo huir de sitios con contenidos mal redactados, en que los signos de puntuación se colocan por aquí y por allá sin intenciones claras. Si puedo tomar la autopista de cuota, ¿por qué decidiría conducir en carreta y por el empedrado? Dado que consumo textos en internet a diario, lo menos que merezco son sitios con textos legibles, que posean las mínimas pautas de lectura y pronunciación. La lengua está viva, claro que lo está. Por eso recomiendo que la mantengamos a salvo de asesinos a sueldo (que en estos días se disfrazan de SEO).

Porque, quiero repetirlo, se trata de producir oraciones legibles. Una cosa es abreviar, ahorrar tiempo y caracteres en ciertos medios (como los mensajes de texto o los chats) y otra dejar, por pereza, obstáculos en el camino, hoyos que impidan al otro entender lo que intentamos decir. No olvidemos que el contexto no siempre ayuda. La comunicación en internet necesita las tildes, igual que en los otros medios. Así que, propongo, no confundamos ron con tequila ni le pongamos sal al café con leche: emoticonos, pegatinas, abreviaturas y demás recursos pueden seguir siendo usados sin que por ello tengamos que sacrificar letras y otros signos que durante siglos nos han ayudado a decir esta boca es mía.

La tilde no se destruye, sólo se transforma, por York Perry

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Remitiendo a ese principio físico el lenguaje escrito es también una materia en constante cambio, va de la mano con la gente que lo ejerce, que le da vida y que también lo hace trizas. La globalización y los tiempos modernos (esos villanos tan recurrentes) han llevado casi a unificar de manera universal el uso de nuestro alfabeto para comunicarnos a través de medios digitales, sin embargo también han llevado a relegar lenta y gradualmente el uso de algunos signos propios del español, como sucede con la tilde o la virguililla. El mejor ejemplo de esta masacre lo encontramos en los teclados de dispositivos móviles (acentuar sin utilizar el autocorrector, que también vicia el uso de nuestro lenguaje, es un martirio), las herramientas de SEO o los buscadores convencionales de internet, en un afán de dar acceso universal y homogéneo, descartan el uso de la tilde, lo que también fomenta ese ciclo de desahucio.

¿Es eso necesariamente malo? Creo que no, es sólo un curso y trayectoria de nuestros códigos, que se reinventan día a día. El español oral y escrito de hoy en día no es idéntico al que se hablaba en los días del Quijote y es un hecho que no permanecerá igual. La RAE tiene un papel importante en lo que venga, sin embargo, personalmente creo que urge que aterricen en el siglo XXI, bajo ninguna circunstancia el mayor defensor de este asunto puede resultar un actor anacrónico.

El planteamiento más interesante aquí, creo, versaría sobre si acaso nos estamos adentrando a una época donde los sistemas digitales informáticos, liderados por la omnipresente internet, nos marcarán las nuevas pautas de construcción de nuestro lenguaje escrito. Esto no significa necesariamente que el futuro de nuestra expresión encierre su porvenir en el perturbador lenguaje LOLCat, pero sí nos invita a echar un vistazo en la manera en que por ejemplo la imprenta, cambió nuestro lenguaje escrito.

Lo curioso de este tipo de cambios es que siempre exigen un papel más activo de los lectores y escritores. Por ejemplo con la llegada de la máquina de escribir, el medio ya no era sólo tinta, pergamino y el conocimiento de escribir de puño y letra. Exigió conocer una nueva disposición del alfabeto y los signos de puntuación, donde incluso acentuar era una variable no contemplada que rompía el ritmo de la redacción. En un escenario hipotético donde se conserve la sílaba tónica pero desaparezca el acento, exigiría un conocimiento más activo y atento por parte del lector, y también de quien redacta, con la finalidad de dejar su mensaje lo más claro posible para que no se pierda su sentido real en la interpretación.

En otras palabras, la tilde seguiría ahí, a su nuevo modo, ni se irá ni permanecerá por capricho. Habrá de avanzar junto con el lenguaje y la sociedad que la alimenta. Como planteamos al principio: no se crea ni se destruye, sólo se transforma.

Un lenguaje universal, por Mariona Rubio

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El debate dentro de la RAE siempre está servido, algunos por historicistas y otros por progresistas, quieren siempre quitar o dejar palabras e incluso modificar términos del diccionario, la tendencia a simplificar la lengua española no es nueva, la Academia eliminó, hace ya unos años los acentos de «entre» y «para», ahora se plantean de hacer lo mismo con muchas otras palabras, que usamos frecuentemente, cuyo acento no es indispensable para marcar su tonicidad, me parece maravilloso. La lengua es una herramienta viva, creada no por la RAE sino por sus usuarios, evolucionó del latín del cual se crearon muchas lenguas, hasta llegar al castellano, que se estandarizó en el siglo XVIII con la fundación de la RAE. Si la RAE hubiese existido en el siglo II aún hablaríamos latín clásico, y no existirían ni acentos ni signos de puntuación. Por un lado la función de conservación y normalización de esta institución es fantástica, pero por otro lado, ha convertido el castellano en un lenguaje más inmóvil y aburrido. El idioma no es estanco, debe evolucionar y enriquecerse, debe mutar y transformarse con los nuevos tiempos y lo que llevan consigo.

Algunos críticos de la Academia dicen que, en muchos aspectos, la RAE sigue siendo una institución troglodita, que mantiene términos racistas y discriminatorios para con las mujeres. En mi opinión la RAE debería ser acumulativa, no quitar sino añadir, es decir porque eliminar la palabra «judiada», definida como «acción mala, que tendenciosamente se consideraba propia de los judíos» o la palabra «zorro» como definición positiva de «hombre muy taimado y astuto», y «zorra» como «prostituta», porque forma parte de nuestro legado, de nuestra historia, y a pesar de ser peyorativo y nocivo para la integridad en este caso de los judíos o las mujeres, no puedes negar el hecho de que esta palabra existió, algunas aún se usan; eliminarlas solo sirve para ocultar nuestra historia y eliminar una perspectiva de lo que fue nuestro pasado.

Los más puristas critican que se acepten palabras de origen no español en nuestro diccionario, como las propuestas de españolizar palabras en inglés, hecho no nada nuevo, que viene sucediendo desde hace mucho tiempo, y no ha puesto en peligro al idioma español, lo enriquece y con ello explica que está en conexión con otros mundos. Como la palabra «fútbol», del inglés «football», o «gol» que viene de «goal» en inglés, «mitin», de «meeting», hoy día son parte de la lengua hispana, sin que a nadie le choque y sin perder un ápice de nuestras señas de identidad, todas ellas usadas a diario por multitud de castellano parlantes.

El intento por eliminar los acentos debería ser más que bienvenido en entornos digitales, en la era de internet y de mensajes de texto, donde gran parte de los usuarios no usan las tildes, este palito es cada vez más obsoleto, llamado a su extinción. Es por ello que propongo en un intento de potenciar y posicionar mejor nuestros posts, de ser más prácticos y menos románticos enviando mensajes, eliminar la tilde y estandarizar hacia un lenguaje único, el lenguaje digital, visible y entendible para todo el mundo. Un ejemplo, hace poco hablé de un diseñador industrial, que acaba de sacar una nueva colección de sillones, los Ro, creados por Jaime Hayón, con acento en la «o», el propio Hayón ha sacado de su nombre el acento para crear una marca que no le de conflictos en ningún idioma, pasando a ser Hayon, y de esta manera poder publicitar mejor su producto en todas partes, tanto si se habla del diseñador como de su marca, lo hace sin acento.

Cuántas veces al crear una entrada en tu blog, tienes que modificar la palabra porque lleva acento o una «ñ», hecho que te hace estar peor posicionado en internet, ya que tu palabra clave no está en el enlace permanente. Cuántas veces pones una palabra clave y la cambias para que tu título sea más posicionable, dejando atrás palabras con acentos o con «ñ». Cuántas personas dentro del marketing digital, aconsejan a diseñadores o blogueros, no poner nombres con acentos a sus creaciones, para poder ser más visibles en la red. No es mejor que en lugar de que los acentos nos capen, de que escojamos palabras sin acentos en detrimento de palabra que lleven tilde, puedas escoger y decidir la palabra que quieras sin que te límite su ortografía, sin que tengas que cambiar el enlace permanente.

Somos mucho más abiertos de mente, y menos estrictos en aceptar otro tipo de lenguaje para comunicarnos y nos da igual si son de una manera o de otra, me refiero a todo lenguaje no verbal, el mundo de los emoticonos, emojis y stickers, podemos hablar con nuestros amigos, colegas y familiares con muñequitos a través de mensajes, pero no podemos aceptar que al preguntar «¿A dónde vas?» no lleve acento. Abogo definitivamente por un lenguaje universal en internet, un alfabeto digital único para todos, y de esta manera dejar de pensar que estás escribiendo incorrectamente en tu propio idioma, ya tenemos otras plataformas donde poder usar nuestra lengua, como mejor nos plazca. Acaso el defensor del acento a ultranza, amante acérrimo de la lengua española, nunca ha abreviado al escribir un mensaje, o ha enviado un sticker, contestando sin palabras. ¿Acaso cuando mandamos mensajes escribimos con sujeto verbo y predicado?, ¿quién no ha enfatizado deformando las palabras?, como por ejemplo «Graaaaaaaaacias» o «Te quieroooooooo», ¿eso si que vale?, si somos permisivos deformando, también podemos aceptar no usar acentos en un contexto digital.

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La música en los títulos de crédito

A raíz del aniversario de la muerte de Saul Bass, confeccionamos un reportaje en su honor, de su influencia en el mundo del cine, concretamente del diseño de los títulos de crédito, hoy nos centramos en otro aspecto de los títulos de crédito, igual de importante que la imagen, la música en los títulos de crédito. Haremos un repaso a las mejores y más reconocidas bandas sonoras de la historia de los títulos de crédito, a veces composiciones ya existentes, otras veces compuestas expresamente para la película, un repaso por la historia del cine a través de los grandes compositores de bandas sonoras, por cierto ya adelanto que faltan muchos, es lo que tienen las listas.

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Veremos como, con sus músicas nos introducen a lo que será la película, ayudan a sumergirnos, nos dan una pista de lo que vamos a ver, una comedia, policíaca, de misterio, de amor, triste, melancólica, de aventuras. Veremos grandes piezas para grandes películas, pasaremos de Vangelis a Danny Elfman, de Daft Punk a Shirley Bassey, sin dejarnos al maestro Mancini incluso alguna pieza de música clásica o mi apreciado Angelo Badalamenti.

Psicosis, Bernard Herrman, Alfred Hitchcock, 1960

La Pantera Rosa, Henri Mancini, Blake Edwards, 1963

James Bond: Goldfinger, Shirley Bassey, Guy Hamilton 1964

Por un puñado de dólares, Ennio Morricone, Sergio Leone, 1965

Barry Lyndon, “Sarabande”, Georg Friedrich Haendel, Stanley Kubrick, 1975

Blade Runner, Vangelis, Ridley Scott, 1982

Eduardo Manostijeras, Danny Elfman, Tim Burton, 1990

Reservoir Dogs, “Little Green Bag”, Jan Visser y George Baker, Quentin Tarantino, 1992

American Beauty, Thomas Newman, Sam Mendes, 1999

Tron: Legacy, Daft Punk, Joseph Kosinski, 2010

No me he olvidado de “Carros de fuego” de Vangelis con su bellísima introducción, o “Extraños en un tren” de Dimitri Tiomkin, las siempre trepidantes composiciones de aventuras del gran John Williams, por nombrar una de sus películas, me quedo con la inolvidable “Indiana Jones”, o la música de los créditos de “Four Rooms”, “La Guerra de las Galaxias”, entre muchas otras que deberían de estar en la lista. Puede que echéis de menos a grandes como Hans Zimmer, Howard Shore, James Horner, Alexandre Desplat, James Newton Howard, Philip Glass, Pascal Gaigne, Jerry Goldsmith, Miklós Rózsa, Max Steiner, Elmer Bernstein, Nino Rota, que a pesar de haver creado grandes piezas para el cine, inolvidables bandas sonoras que pasarán a la historia, sus piezas son más destacables en todo su conjunto que en la parte introductoria de los títulos de crédito iniciales. Acabo con un Bonus Track doble, con la música de dos títulos de crédito inolvidables, pero no del cine, en este caso son de dos series de televisión.

Mision Imposible, Lalo Schifrin, Bruce Geller, 1966

Twin Peaks, Angelo Badalamenti, David Lynch, 1990

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Las tarjetas de presentación más originales

Una tarjeta de negocios es una pieza de identidad importantísima que muchas veces es subestimada. Se trata de un medio portátil gracias al cual un potencial cliente, contacto o amigo puede identificarnos, recordarnos, encontrar la información para localizarnos. Si uno se encuentra como freelance o ha emprendido en algún negocio resulta de vital importancia encontrar la forma de ser recordado y dejar marca en quien pueda requerir profesionalmente de nosotros.

Pensando en ello hicimos un pequeño recorrido para encontrar las tarjetas de presentación más originales, aquellas pequeñas piezas que se han concebido más allá de ser una simple pieza de cartón con letras, para portar consigo algo de originalidad, frescura y carisma. A continuación comentaremos las más interesantes, que pueden funcionar como un genial inspiración para diseñar nuestras versiones propias, y al final se incluye la galería completa con algunas propuestas adicionales:

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En este caso tenemos una tarjeta hecha en una textura plana que imita al concreto, ideal para arquitectos y otros profesionales del ramo de la construcción. El único inconveniente es la poca portabilidad de la tarjeta pero su valor como objeto decorativo evitará que termine olvidada en el bote de basura.

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Esta tarjeta que funciona a su vez como un miniset de Lego también resulta atractivo para constructores pero encuentra también su lugar para algunos pedagogos o profesionales que prestan servicios en el ramo infantil, como guarderías o similares, incluso para creativos. Es tarjeta y también un juguete.

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Esta original tarjeta funciona como peine y evoca por su textura la forma de un teclado musical. En este ejemplo se usa para una tienda de instrumentos musicales, sin embargo también queda perfecto para promocionar una cabina de grabación profesional o cambiando de giro radicalmente para una peluquería con aire vintage.

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Jugar con los materiales siempre es interesante y constantemente se va incrementando la opciones de materiales de impresión, en este caso por ejemplo tenemos una tarjeta impresa en un acrílico sensible al calor, de manera que al contacto de la mano cambia para mostrar los datos.

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Bon Vivant es una tienda que se dedica a la venta de quesos, así que su mejor tarjeta de presentación es un rallador de queso portátil. Simple, cómico y muy original.

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Una Shuriken o estrella ninja tiene el problema a todas luces de que resulta imposible de llevar en la billetera, sin embargo anunciarse y presentarse con una es algo que definitivamente genera mucha presencia, estilo y también algo de agresividad. Encima de ser algo costoso.

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Este caso se trata de un guiño a la cultura pop con un diseño original. La agencia de servicios se llama Clark&Kent, un nombre que remite inmediatamente a la identidad secreta de Superman, la tarjeta es plana y puede doblarse para convertirse en una cabina telefónica, como la que usa el personaje para cambiarse de ropa.

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Olivia Waite es una escritora de novelas románticas, al más puro estilo de Corín Tellado, sólo que ella vende su material principalmente en Amazon, Barnes & Noble y otras tiendas virtuales, su sitio web está hecho sobre una plantilla de Blogger, pero su tarjeta de presentación con la forma de una tarjeta de biblioteca, con la lista de todas sus novelas, es una de las más originales y apropiadas que hemos visto en nuestra vida.

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Es importante conectar con nuestros clientes, sus gustos, su perfil, lo que le agrada, si el giro de tu negocio involucra gente con preferencias variados o incluso ilegales, no es tan pecaminoso imprimir tarjetas sobre papel para envolver tabaco, de manera que puedan darle un uso útil. El material que fumen a final de cuentas no es responsabilidad de quien puso la tarjeta.

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Si se piensa en una tarjeta de presentación más allá de su formato tradicional es posible jugar con las formas, materiales y formas, un buen ejemplo es esta tarjeta para un instructor de yoga, se enrolla como una toalla y lleva a todos lados el servicio e identidad que se proyecta. Original.

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Nuestra favorita, dedicarse al mundo de los videojuegos es una profesión poco común y por lo tanto amerita una forma poco común de darse a conocer, seas un programador, un diseñador o un periodista del medio. La forma de un Space Invader resulta inconfundible para el medio y el guiño a la cultura pop es épico.

Helos ahí, nuestros favoritos, sin embargo hay muchos más que también pueden encontrar si dan una vuelta por la galería, esperamos que haya sido útil para inspirarlos:

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Una máquina expendedora de impresiones 3D, la primera del mundo

Existen máquinas expendedoras tan inusuales como interesantes. Entre mis favoritas, la Quote Vendor, que da citas textuales a cambio de monedas. Sin embargo, no imaginé que la tecnología de impresión 3D se extendiera tan pronto a dicho terreno. Dreambox es una máquina expendedora de impresiones 3D y fuer creada para democratizar los procesos de producción de alta tecnología.

La máquina expendedora de impresiones 3D conocida como Dreambox fue creada por un equipo de innovadores, recientemente graduados de la Universidad de Berkeley. Nunca antes se había creado un artefacto de este tipo. La idea surgió como una iniciativa para democratizar los proceso de producción de alta tecnología: ponerlos al alcance de un grupo mayor de personas.

Porque, es cierto, la impresión 3D se extiende con relativa velocidad, pero no todos tienen acceso a ella. En este caso, en el campus en que el equipo estudió, las impresoras 3D sólo están disponibles para alumnos de posgrado e investigadores, y es necesario esperar mucho tiempo para tener acceso a ellas. Por eso, Pavid Paskewka (CEO de Dreambox) y su equipo decidieron diseñar Dreambox, una máquina expendedora de impresiones 3D que permite la producción de objetos en sólo 24 horas.

Lo interesante del invento no tiene sólo que ver con el tiempo (que es corto), sino que vuelve asequible esta tecnología: una impresión 3D hecha con Dreambox cuesta sólo 15 dólares y puede pagarse mediante PayPal.

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Por lo pronto, el usuario puede imprimir sólo objetos pequeños: nada demasiado aparatoso (diseños del tamaño de una pieza de una baguette, más o menos), pero en un futuro la restricción podría modificarse. En cuanto a otras restricciones, se consideran aspectos relacionados con la seguridad y se prohíbe la impresión de armas de fuego, entre otros objetos peligrosos.

La primera máquina fue construida con una inversión de 10 mil dólares y se llevó una cinco semanas en estar lista. Pero fue la primera. Seguramente, más adelante el equipo se las arreglará para que el proceso sea más ágil y para que la Dreambox presente ciertas mejoras. Incluso contemplan la posibilidad de que diversificar materiales: que la impresión 3D no se realice sólo a partir de plástico.

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Steve Powers en Alice Gallery, arte callejero americano por Europa

Steve Powers en Alice Gallery, donde podremos disfrutar de piezas únicas creadas en las propias paredes de la galería, auténticos frescos. Este artista callejero tan creativo, más conocido como ESPO, es una figura carismática dentro del arte neoyorquino y el graffiti a nivel mundial, de estos últimos 20 años, muy visto por las calles de Filadelfia, Nueva York y Brooklyn. No obstante, después del éxito durante años como ESPO, Steve ha decidido alejarse de la sombra del graffiti y establecerse como un artista callejero de renombre, algo muy recurrente entre los grafiteros, eso es que se hacen mayores, lo mismo vemos con el trabajo de Ben Frost.

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Este artista con sede en Brooklyn, pintor de letreros, narrador y exbreakdancer, se encuentra actualmente en Europa, concretamente en Bruselas, donde ha creado en exclusiva para Alice Gallery piezas únicas para esta muestra individual titulada Visual Blues. Ha preparado una instalación mural en las paredes de Alice junto a sus últimas obras que son las piezas centrales de esta exposición, más conocidas como Metaltations, son minúsculas pinturas,, preciosos esmaltes sobre aluminio. Se basan principalmente en dibujos inspirados en los problemas y placeres cotidianos, “sentimientos que surgen a menudo en el metro de camino al trabajo”, comenta Powers, abarcan una amplia gama de temas, lo curioso es como plasma estéticamente estas emociones, de manera muy gráfica, imágenes muy planas y simples, colores vivos, pero que a pesar de su simplicidad están llenas de emociones y sentimientos que todo el mundo puede identificar fácilmente. Gracias a este minimalismo formal, puede plasmar los problemas en su máxima esencia, de manera directa, incluso infantil, lo mas curioso es que aborda los problemas resolviéndolos.

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El artistas profundamente inspirado por el poder de la música crea sus Metaltations diarias, acompañado de ella, sus “tristezas visuales” así es como las llama él, tratan las emociones más importantes y también las más primarias, como la soledad, el desempleo, la monotonía de la vida, problemas de relación, inteligentes maneras de observar los momentos cotidianos pequeños, casi insignificantes. Son pinturas casi instantáneas, plasma sus epifanías justo en el momento que en que se inspira. Al observar las piezas provocan todo tipo de emociones, desde la risa a la tristeza, obras donde se examina y analizan las emociones, podréis disfrutar de sus piezas hasta el 22 de junio, a penas va a estar un mes expuesta, así que daros prisa, son una auténtica delícia. Por cierto, si os pasáis por su tienda Online, podéis comprar sus Metalations a un buen precio.

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Su trabajo como grafitero o artista callejero me recuerda en cierto modo a la obra de otro artista Eine, ambos pintan las calles a base de letras gigantes, muy gráfico, si queréis ver obras de los mejores artistas callejeros del momento, pasáros por el Soho de Málaga, hay obras de los mas grandes por las calles de este barrio andaluz, desde Obey, el propio Eine, D*Face y Boa Mistrura, entre muchos otros, todos juntos en un mismo barrio.

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Steve Powers ha creado un mural para poder mostrar sus “Tristezas Visuales”, con un resultado muy gráfico y no tan colorista como nos tiene acostumbrados, mas contenida en color, pero muy expresiva, a pesar de ello, una vez mas Powers nos sorprende y nos muestra una obra maravillosa y espectacular, muy orgánica, un paso mas en su evolución. Me pregunto que hará la galería Alice con los murales una vez terminada la exposición.

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Imágenes son cortesía de Alice Gallery.

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La poesía visual de Chema Madoz expuesta en La Pedrera

La poesía visual de Chema Madoz expuesta en La Pedrera de Antonio Gaudí hasta el 28 de julio. Uno de los creadores más destacados de la fotografía española contemporánea. En su obra, cercana a la poesía visual, muestra una constante inclinación hacia lo simbólico, con imágenes caracterizadas por un sutil juego de paradojas y metáforas que le llevan a crear un mundo propio, imaginativo y reflexivo. Con un lenguaje visual mas próximo a René Magritte y Joan Brossa, este artista pretende con sus ingeniosas y provocativas imágenes, cambiar la percepción precondicionada de nuestra realidad.

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El madrileño Chema Madoz, premio nacional de fotografía en el año 2000 y primer fotógrafo vivo al que el museo Reina Sofía le ha dedicado una retrospectiva. Más cercano al mundo pictórico de los grandes artistas del Surrealismo, se centra en el mundo de los objetos, que retratados magníficamente por su cámara Hasselblad transforman la realidad aparente para hacer surgir nuevas y sorprendentes lecturas no exentas de ironía y poesía, auténticas metáforas visuales, puro surrealismo. Muy cercano a los poemas de Joan Brossa pues, ambos utilizan los mismos recursos, la transformación, el emparejamiento absurdo y la ironía, en un juego reflexivo que denota una mirada crítica sobre la sociedad. El mismo juego absurdo que hace en su obra Ben Frost, mezclando packaging de productos de supermercado y pornografía, pero con un resultado visual totalmente distinto.

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Los barceloneses y todos los que estéis de visita por la ciudad condal, podréis disfrutar de su trabajo en el espectacular edificio modernista de Antonio Gaudí. La exposición «Chema Madoz. Ars combinatoria» resume la trayectoria de Madoz, Premio Nacional de Fotografía en el año 2000, desde finales de los años ochenta hasta la actualidad. Podréis disfrutar de la exposición hasta el 28 de Julio.

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Luis Arenas, comenta de su trabajo:“ A lo largo de los años Madoz ha venido echando sobre sus espaldas una tarea hercúlea. Con una perseverancia que ha sabido convertir en estilo inconfundible, Madoz viene poniéndonos en contacto con esos otros mundos posibles que nos rodean, un universo de objetos tan familiares como desconocidos, tan próximos como irreductiblemente extraños.” Arenas se pregunta sobre Madoz: “¿En qué momento entendió que su trabajo consistiría en descifrar incansablemente mensajes de esos lugares y objetos, próximos en el espacio y remotos en la imaginación? Debió de ser muy pronto. Y, desde entonces, asistir a una exposición suya u hojear uno de sus catálogos sólo resulta provechoso si estamos dispuestos a reconocer de entrada que aún no lo sabemos todo de esos fieles servidores que rodean nuestra más inmediata cotidianidad. Cerillas, cubiertos, relojes o libros que Madoz emplea para subrayar esa suerte de complementariedad dialéctica existente entre las categorías de lo real y lo virtual.”

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Según Arenas, Mados, tiene la: “capacidad de desvelar el verdadero rostro de las cosas”…. “Pero también abre paso a una consecuencia correlativa que a menudo se mantiene en el olvido y es que, si lo que está en juego es la verdad, la práctica del artista resulta entonces, a pesar de las apariencias, algo necesaria aunque lejanamente vinculado con la del científico: a su modo ambos, el artista y el científico, luchan por revelar lo que las cosas son.”…“Algunos confundirán esa precisión y pureza con frialdad. Parece que en el mundo de Madoz no hay sitio para las emociones y los sentimientos. Pero ello es, tal vez, porque lo que se pretende con esas imágenes no es tanto deleitar nuestros sentidos sino más bien emocionar a nuestra inteligencia. Esa es, sospecho, la razón última de que su trabajo tenga un carácter marcadamente conceptual.”… “Sus objetos juegan con universos posibles e imposibles, con mundos (aún no) existentes, con objetos tan sorprendentes como innecesarios.”…“De ahí que la obra de Madoz se caracterice por dirigir su primera llamada a nuestro entendimiento y no a nuestra sensibilidad.”

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Arenas acaba su análisis diciendo: “El espectador se ve obligado a reconocer en ellas relaciones de ideas: conexiones extrañamente necesarias que sólo el análisis ha permitido hacer salir a la luz. Y entonces uno se dice: “¡Claro, era eso!” Y hasta estamos tentados a reprocharnos a nosotros mismos no haber sido capaces de verlo hasta el instante en que Madoz nos lo muestra.”…“En las instantáneas de Madoz los objetos se rebelan ante la condena de no ser más que útiles. Pero esa rebeldía no tiene nada de amenazadora y sí mucho de juego, de travesura infantil. Madoz parece invitarnos a escuchar el secreto diálogo que las cosas mantienen a nuestras espaldas. Como si sólo él tuviera el oído suficientemente fino como para captar esas risas juguetonas que los útiles nos dirigen a diario.”

Una obra llena de objetos cercanos, juegos visuales, con una mirada sarcástica y una estética muy próxima, real, fría, calculada y a la vez muy expresiva. Chema nos aproxima al Universo Paralelo de nuestros objetos cotidianos, una visión paralela, para mostrarnos nuestro mundo desde otra perspectiva.

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Chianti & Pinot Grigio, un vino inspirado en El Silencio de los Corderos

The Silence of the Lambs, también conocida como El Silencio de los Corderos o El Silencio de los Inocentes, es una obra escrita por Thomas Harris que ha logrado su mayor fama, y su lugar dentro de la cultura popular gracias a su adaptación cinematográfica de 1991 que, entre grandes actuaciones y una replanteamiento de la propuesta estética y narrativa del thriller logró dar inicio a una nueva era del género, más madura, vigente e inteligente.

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El núcleo del mito en torno a esta novela radica en un personaje secundario, cuya complejidad y misticismo es tan grande que terminó convirtiéndose en el punto medular de todo ese universo: El Doctor Hannibal Lecter, un genio extraordinariamente culto, con un sentido estético sobresaliente y buen gusto indiscutible para cualquier escenario de alcurnia y opulencia, con el detalle de que encima de todo ese carisma, se trata también de un asesino serial proclive al canibalismo.

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Una de las líneas más memorables de la cinta viene justamente de un momento en donde Lecter relata un episodio de su pasado y que ha detonado el producto que hoy les compartimos:

A census taker once tried to test me. I ate his liver with some fava beans and a nice chianti.

(Una vez, un empadronador intentó ponerme a prueba. Me comí su hígado con frijoles y un buen Chiantí).

El Silence of the Lambs Chianti & Pinot Grigio es un producto refinado, desde toda perspectiva, comenzando por el empaque y la calidad del vino que contiene, sin embargo, su toque curioso (y perturbador se deriva directamente de este planteamiento donde cualquier pueda, de hecho, a su modo, recrear la escena descrita por el personaje en la novela (o la película).

Con un costo de 75 dólares el paquete alusivo a la obra se compone de dos botellas de vino, un Cannibal Chianti que se compone en un 85% de Sangiovese, mezclado con menores proporciones de Canaiolo y Malvasia del Chianti, y un Suit Yourself Pinot Grigio, cosecha del 2012 de viñedos de california con algunas notas tintas de naranja y mandarina.

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Se trata de una bebida exótica cuyo valor versa en la alusión al personaje de Lecter, sin embargo, también funciona como un regalo extravagante y original para aquellos cinéfilos o admiradores de la obra de Harris.

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La nueva aventura de los hermanos Adrià se llama Pakta

Pakta es la nueva aventura de los hermanos Adrià, como no podía ser de otro modo, se trata de una aventura gastronómica, pero en este caso de cocina nikkei Peruano-Japonesa, otra vez los hermanos Albert y Ferran Adrià han escogido el Barrio del Paralelo de Barcelona, para abrir Pakta, donde se encuentran sus ya exitosos restaurantes Tickets y la Coctelería 41º. El concepto nikkei Peruano-Japonesa, no solamente es la base de la cocina sino el punto de partida para el proyecto de interiorismo, a cargo de Oliver Franz Schmidt y Natali Canas del Pozo, del estudio El Equipo Creativo.

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Para llevar a cabo este proyecto gastronómico, al frente de los fogones se encuentran dos chefs de excepción, la japonesa Kyoko Li, que a pesar de su juventud, atesora una impecable técnica culinaria, y por otro, Jorge Muñoz, peruano de nacimiento, catalán de adopción y gran conocedor de la cocina del país del cual es oriundo, dos jóvenes valores que ya han trabajado con ellos en el Tickets. El restaurante ofrece un compendio de 35 recetas seleccionadas de un centenar que han estado trabajando durante más de cinco meses, todos los platos tienen el toque inconfundible y vanguardista de Albert Adrià, quien capitanea este proyecto. Pakta es el nombre que recibe este local especializado en la cocina denominada nikkei, que no es otra cosa que la fusión de dos gastronomías, la peruana y la japonesa. De ahí su nombre: Pakta, que significa “juntos” en quechua, idioma originario de Perú.

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Bajo el sello BCN 5.0, grupo que aglutina los negocios de los hermanos Albert y Ferrán Adrià y los hermanos Juan Carlos, Borja y Pedro Iglesias, nace Pakta, el tercer establecimiento que ponen en marcha en los dos últimos años, después de Tickets y 41º. En sus proyectos futuros está abrir un restaurante mexicano, el Yaguarkan, y ampliar el 41º, Albert Adrià comienza a ser considerado por los expertos como un creador de conceptos gastronómicos, y no es de extrañar.

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En la actualidad ofrece un menú degustación muy amplio de 95 euros, solamente se puede reservar a través de su web, y en el que se incluyen platos como cebiche de tomate con granizado de leche de tigre de naranja y remolacha, nigiri de calamar con sal de huacatay, bacalao negro curado en miso con flor de daikon encurtida o bambú de té verde con chocolate peruano. Propuestas que probablemente convertirá a Pakta en uno de los restaurantes más populares de la Ciudad Condal.

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El proyecto de interiorismo a cargo del estudio El Equipo Creativo, han partido del concepto nikkei, inspirándose en los restaurantes tipo Food Street japoneses, para organizar el local, con su barra, la cocina vista y con muebles sencillos, pero la austeridad del proyecto acaba aquí, ya que multitud de hilos recorren el local y se entrecruzan cómo si de un telar peruano sobredimensionado se tratase, a modo de biombos suspendidos, los colores de los hilos recuerdan a los tapices del país andino. El resultado es una fusión estética muy de moda en los proyectos de interiorismo de los restaurantes nikkei, como es el caso del restaurante Miss Ko creado por Phillippe Starck y el restaurante Mr. Wong en Australia, aunque estos son un poco mas chic. Señalaría la entrada del local, me parece una preciosidad, inspirada en un Food Street japonés, realizado con paneles de madera, me transporta a Kioto. Otro elemento a destacar es el proyecto de iluminación, resuelto por El Equipo Creativo junto con BMLD Lighting Design, y distribuido por Avanluce, es franco, discreto y preciso, dejando la comida como única protagonista.

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En las imágenes vemos distintas fotos del local y dos platos que ofrece Pakta, el Sushi de lomo de atún con tapioca de salsa de soja y el Ceviche de corbina con jugo de kumkuat y camote.

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